L'Elisir d'Amore al Verdi di Trieste

C'è più di un'idea vincente nell'Elisir d'Amore in scena al Teatro Verdi di Trieste, spettacolo fresco e colorato pensato dal regista Fabio Sparvoli. La posposizione della vicenda al secondo dopoguerra ha dei vantaggi: spazza via un po' di polvere dalla partitura donizettiana senza turbare eccessivamente il pubblico più rigido su posizioni tradizionaliste e consente di guardare da una prospettiva inedita taluni temi dell'opera che in altri contesti passano in secondo piano. Emerge con forza ad esempio il divario socioculturale tra la sorridente ingenuità del paese e un Dulcamara cittadino avvezzo a strumenti e malizie che “i villani e le villanelle” nemmeno immaginano. Piace altrettanto il Belcore carabiniere da commedia italiana anni '50. L'ambientazione ha insomma il merito di rendere efficace ed immediata la definizione dei caratteri, almeno per la sensibilità del pubblico contemporaneo.

Foto Fabio Parenzan

Per il resto siamo dalle parti della tradizione più innocua e rassicurante, una tradizione tuttavia vivacizzata da un'apprezzabile cura per la recitazione dei solisti e soprattutto del coro. Rimane un'unica perplessità: davvero non si capisce perché la dicitura di “melodramma giocoso” giustifichi ancora, anche in allestimenti curati e piacevoli come questo, la concessione a certe forzature comiche che facilmente scadono nel cattivo gusto.

Le semplicissime ma piacevoli scene che accolgono la vicenda sono firmate da Saverio Santoliquido. Scolastico il disegno luci di Jacopo Pantani, belli i costumi di Alessandra Tortorella.

Il direttore d'orchestra Ryuichiro Sonoda dà l'impressione di essere estraneo, per sensibilità e cultura, alla tradizione esecutiva del melodramma italiano buffo, il che non è necessariamente un male. Non ci sono, ad esempio, i tagli che sovente mutilano il capolavoro donizettiano così come assai originali e inedite paiono alcune scelte musicali, soprattutto per quanto riguarda l'articolazione. Manca purtroppo il teatro, soprattutto nel primo atto: la concertazione di Sonoda, per quanto sorvegliata, risulta fin troppo inamidata, riuscendo a tratti inerte sul piano della narrazione. Tale limite pare riconducibile piuttosto che ai tempi, generalmente spediti (almeno dall'ingresso di Dulcamara in poi), ad un'eccessiva timidezza nelle dinamiche. Il dialogo col palcoscenico non è sempre ottimale e gli scollamenti tra orchestra – al solito estremamente affidabile - e cantanti non sono infrequenti.

Roberta Canzian, Adina, si disimpegna con correttezza nel primo atto ma arriva all'aria Prendi, per me sei libero decisamente affaticata. Il soprano ha discreta fluidità e buona musicalità ma risolve non sempre agevolmente le agilità ed il registro acuto.

Leonardo Ferrando è un Nemorino vocalmente garbato e ben calato nella parte. La voce è leggera e di timbro non indimenticabile ma viene modulata con sicurezza e gusto in un canto elegante e morbido. La “Furtiva lagrima”, nonostante le dinamiche fossero tendenzialmente appiattite sul mezzoforte ed il fraseggio abbastanza rigido, si è guadagnata un'ovazione a scena aperta, reazione quasi sorprendente per chi conosce l'austerità del pubblico triestino.

È un peccato che, come spesso avviene, la regia si accanisca contro Belcore perché Filippo Polinelli ha mezzi ragguardevoli e, a suo modo, centra il personaggio. Fatta la tara degli eccessi caricaturali cui è costretto, il carabiniere spaccone e simpaticamente buzzurro disegnato da Polinelli avrebbe diverse ragioni dalla sua, non ultima una vocalità ampia e salda in ogni registro.

Il Dulcamara di Domenico Balzani ha voce importante e calca il palcoscenico con disinvoltura ma tende spesso, soprattutto nei recitativi e nel sillabato stretto, a scivolare nel parlato. Mario Brancaccio è il suo inarrestabile servitore.

Convince la Giannetta elettrica e stralunata di Vittoria Lai, soprano dalla vocalità leggera ma tutt'altro che inconsistente.

Molto positiva la prova del coro preparato da Fulvio Fogliazza.

A fine spettacolo accoglienza calorosa per tutta la compagnia.

The Rape of Lucretia al Teatro Verdi di Trieste

Il tema dell’antichità classica filtrata attraverso la sensibilità cristiana fa di The Rape of Lucretia il perfetto preambolo alla più celebre Clemenza di Tito che impegnerà il teatro Verdi tra poche settimane, non fosse altro per la maggiore fama dell’opera mozartiana rispetto al più elitario Britten. Spiace a dirsi ma a tutt’oggi, presso il pubblico italiano, il compositore inglese non gode della fama che meriterebbe, prova ne sia la scarsa affluenza di pubblico al teatro triestino per il primo stupro di Lucrezia della sua storia.

Opera da camera non tra le più facili, The Rape of Lucretia è uno dei vertici del teatro musicale del novecento. La musica di Britten è un gioiello di alchimie e colori, Roland Duncan riduce a misura di melodramma Le Viol de Lucrèce di Obey in un libretto denso di poesia e indagine filosofica, aspetti che tuttavia sembrano interessare marginalmente al regista e scenografo Nenad Glavan. Glavan sceglie di calcare la mano sul lato politico della vicenda, accentuando la dimensione militare e storica: il potere è il centro focale della tragedia, Lucretia un casus belli per la rivolta romana alla supremazia etrusca (quella da cui nascerà la Repubblica), le dinamiche di forza un discorso circolare, secondo una precisa idea di ciclicità della storia. Tutto ciò è rappresentato dall’impianto scenico, un anfiteatro semicircolare sviluppato attorno ad un vertice centrale ripreso in live streaming da una telecamera, simbolo appunto di quel potere che è il primum movens della vicenda. Per il resto la regia appariva eccessivamente statica e stereotipata, fatti salvi alcuni momenti coreografici (tra cui lo stupro che risultava di qualche effetto) alle volte fin troppo rumorosi per la levità musicale dell’opera.

Ryuichiro Sonoda guidava i dodici impeccabili professori d’orchestra che la partitura chiama in causa con ottima musicalità e varietà di colori, esaltando l’atmosfera rarefatta ed ipnotica della musica di Britten ma senza rinunciare ad approfondire la narrazione teatrale, sempre nel rispetto dell’equilibrio cameristico delle parti.

Lasciava alterne sensazioni Sara Galli, Lucretia impeccabile sulla scena ma in debito di volume, trovandosi a cantare una parte troppo grave per il proprio baricentro vocale. Ne risultava un canto affascinante nelle frasi più acute, arricchito con suggestive aperture e soluzioni cromatiche adatte all’opera novecentesca ma afono nel registro medio-basso. Positivo il coro maschile del tenore Alexander Kröner, cantante dotato di voce poco avvenente ma sonora e squillante, sicurissimo nel canto e nell’impervia articolazione sillabica che Britten richiede. Buona anche la prova di Katarzyna Medlarska, voce del coro femminile. Tarquinio era affidato al basso Carlo Agostini, autore di una prova incolore perché irrisolta, sia in ragione della vocalità opaca sia per la presenza scenica intimidita. Nuria Garcia Arrés era una Lucia di bel timbro mentre Dijana Hilje evidenziava, a discapito di un volume notevole, un vibrato largo poco piacevole. Marijo Krnic dava voce e corpo a un Collatino partecipe e ben centrato, corretto il Giuno di Gianpiero Ruggeri.

Calorosa l’accoglienza del non folto pubblico in sala con applausi convinti per tutti.

Paolo Locatelli

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Beethoven, Čajkovskij e la sfida dell’uomo

Il fato osservato da due prospettive diverse, lontane tra loro settant’anni. La quinta di Beethoven e il destino che bussa alle porte, la quarta di Čajkovskij in cui il fato incombe sulla vita degli uomini come una spada di Damocle, pronto a sopprimere quella felicità cui gli esseri umani si aggrappano come ad un’illusione collettiva. Due opere sovrapponibili nei punti di partenza ma divergenti negli esiti risolvendosi nel trionfo dell’uomo la prima, licenziata da un Beethoven in forte odore di romanticismo, nell’amara presa d’atto dell’ineluttabilità della sorte la seconda. Erano queste a grandi linee le colonne portanti del concerto in programma giovedì 16 febbraio al Teatro Comunale Giuseppe Verdi di Pordenone che vedeva impegnate l’orchestra dell’omonimo teatro triestino guidata dal sorprendente Ryuichiro Sonoda, chiamato in extremis a sostituire l’ammalato Elio Boncompagni.

Il destino e l’idea che ne ebbero due tra i massimi compositori dell’ottocento dunque. La quinta sinfonia in Do Minore e il titanico ideale dell’uomo che sfida le forze superiori uscendone eroicamente secondo quell’idea di eroe propria della cultura di inizio diciannovesimo secolo, la quarta sinfonia in Fa Minore di Čajkovskij e la presa d’atto della sconfitta o quantomeno del carattere illusorio della vita stessa e la resa all’accettazione del suo essere tale. Il tutto espresso in poco più di un’ora di grande musica suonata da un’orchestra all’altezza della situazione. È stata davvero positiva infatti la prova dell’orchestra del Teatro Verdi di Trieste che ha sfoggiato ottima compattezza (talora a discapito della trasparenza, soprattutto nella quinta), precisione e pulizia con i fiati sugli scudi soprattutto in Čajkovskij dove l’orchestra ha esibito qualità proprie di una compagine sinfonica a tutti gli effetti.

Sorprendente si diceva l’orchestrazione del giapponese Sonoda, bravo e corretto in Beethoven, eccellente in Čajkovskij. Meno travolgente dunque la quinta di Beethoven in cui accanto alle apollinee geometrie ed al suono di leggerezza quasi mozartiana sarebbe piaciuto ascoltare una maggior elasticità ritmica. Allo stesso modo il suono brillante e perfettamente centrato dei momenti di forte o mezzoforte non ha sempre trovato corrispondenza nei passi più soffusi; soprattutto nel secondo movimento sono mancati quello smalto e quella tensione narrativa che avrebbero portato al salto di qualità. Una quinta molto razionale e di buon senso quindi, sarebbe stato oggettivamente ingiusto pretendere di più da un direttore chiamato all’ultimo minuto.

Sonoda è invece sembrato trovarsi meglio con le atmosfere orientaleggianti della quarta di Čajkovskij in cui ha ottenuto sonorità levigate e preziose anche nelle sezioni orchestrali che nella prima parte della serata erano parse più sfuocate. Ha sicuramente giovato la maggiore sollecitazione richiesta dalla partitura agli ottoni, in grande spolvero per l’occasione, perfettamente inquadrati nella lettura estroversa e dagli impasti timbrici quasi jazzistici del maestro giapponese che pur ha sorvegliato perfettamente gli equilibri tra le intemperanze degli stessi e la sottile trama degli archi, precisissimi peraltro. Ha poi contribuito al buon esito della performance la peculiare scrittura del compositore russo che può maggiormente giovarsi, rispetto a un Beethoven, del buon suono orchestrale laddove il tedesco richiede un approfondimento di fraseggio ed un’abilità nella gestione del ritmo di difficilissima inquadratura.

In definitiva una serata se non memorabile, sicuramente molto piacevole, apprezzata dal pubblico non foltissimo presente in sala che ha salutato orchestra e direttore con convinti e prolungati applausi.

Paolo Locatelli

paolo.locatelli@ildiscorso.it

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